foradcamp 2021

Polyfonatura, Millor Documental de la X Mostra de Cinema amb la Natura ForadCamp 2021

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez 

Polyfonatura és un documental que registra un estudi sonor del procés creatiu d’un jove anomenat Eirik Havnes. En la pel·lícula l’acompanyem a col·leccionar sons de la natura amb els seus micròfons «artesanals» i veiem com els converteix en composicions musicals. Aquest curt ens mostra una manera particular d’experimentar la natura a partir del so, que es torna aquí més primordial que la imatge.

En aquesta mesura el tractament sonor ens fa escoltar tot des de la ment del protagonista, alternant entre el que està escoltant i el que s’imagina que vol fer amb això. Jon Vatne, el director, construeix en la seva pel·lícula una experiència més sensorial que narrativa, que ens convida a escoltar la natura mentre l’acompanyem enmig dels seus dubtes creatius.

Polyfonatura ha participat en l’Odense International Film Festival, al Camerimage Film Festival, en el Norwegian Short Film Festival i va ser premiat en aquesta edició del ForadCamp com a Millor Documental de la Secció Oficial. El jurat va destacar la rellevància del procés d’investigació darrere de la pel·lícula i l’habilitat per transmetre en un llenguatge cinematogràfic l’experimentació artística amb el so de el personatge principal. Polyfanatura va guanyar aquest premi, segons el jurat, «… per la seva pulcritud en l’ús de la imatge, el so i el muntatge. I pel plaer que ens provoca com a espectadors el fet de poder compartir aquesta experiència».

Bird Boy: “Em va dir que fora bo amb els ocells, perquè les nostres ànimes volen a el cel entre les seves ales”

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez

Reshat és un nen de 12 anys que viu a l’Azerbaidjan, envoltat de camps de petroli que afecten la qualitat de l’aigua. És el protagonista de Bird Boy, un curtmetratge dirigit per Simon Lereng Wilmont, que forma part d’una minisèrie televisiva titulada Kids on the Silk Road. La sèrie és un recull de 15 històries protagonitzades per nens que tenen entre 11 i 14 anys d’edat, provinents de 15 països al llarg de la Ruta de la Seda. Cada història mostra com els personatges breguen amb els reptes de la vida en el marc dels seus contextos culturals i socials. Tots són relats en aparença petits però capaços de tocar en profunditat i de manera emotiva i commovedora temes universals sobre el significat de créixer.

En aquest cas tenim la història de Reshat. Segons ell, l’aigua d’on viu ajuda a netejar ferides però cal anar amb compte que no caigui en els ulls i cal no beure-la, sobretot si fa olor de petroli. Però el que més li agrada d’on viu són els coloms que solen passejar-se pel cel. Ell estranya al seu pare, que va morir recentment i que també era amant dels ocells. «Em va dir que fos bo amb els ocells, perquè les nostres ànimes volen al cel entre les seves ales», diu Reshtat. És comú en la seva regió entrenar i criar coloms. És per això que a ell se li acudeix que, en memòria del seu pare i per amor als ocells, s’hauria de convertir en el millor entrenador de coloms. No obstant això, enmig de la persecució del seu somni, es pregunta sobre el que veritablement implica cuidar i estimar a un altre i sobre el significat de la llibertat i la felicitat.

El director té una gran habilitat per apropar-se a aquesta història d’una manera tan íntima i espontània, que per moments dubtem de si el que estem veient és realment un documental. Els personatges actuen amb tanta naturalitat i confiança com si la càmera no hi fos i el muntatge s’assembla més al d’una pel·lícula de ficció. Totes les preguntes que el director volgués fer sobre aquesta història, les fa a través del Reshat i les converses que té amb la resta de personatges. La pel·lícula combina reflexions del Reshat en veu en off, amb escenes d’observació filmades amb una càmera que està molt a prop de les situacions que observa i que impressionen per la seva naturalitat i espontaneïtat.

Bird Boy va ser estrenat a l’IDFA i aquest any va ser part de la Secció Oficial del ForadCamp.

Ulisses, una història de captivitat o una història d’amor

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez

El 19 de novembre de 1980 una orca nadó va ser retirada del seu hàbitat natural a Islàndia i li van donar el nom d’Ulisses. Va ser traslladada al parc aquàtic de Tarragona i després es va convertir en una de les estrelles més aclamades pel públic del zoològic de Barcelona per més de 10 anys. Finalment, el 1994 la van traslladar al Sea World de San Diego als Estats Units i va continuar sent part d’espectacles aquàtics. Ulisses és alhora el relat de la captivitat d’una orca i una història d’amor entre ella i el seu entrenador, Albert López.

El director Joan Bover Raurell barreja material d’arxiu amb material gravat en l’actualitat i construeix una estructura no lineal. La història està composta per dues línies narratives: en la línia del present veiem Albert, de gran, moltes vegades en plans contemplatius davant del mar; en la línia del passat, veiem la història de com Ulisses va perdre la seva llibertat per a convertir-se en l’atracció d’un zoològic i, en el seu captiveri, desenvolupa una estreta relació amb l’Albert. Al seu torn, cada línia fa servir una estètica diferent que ens apropa o ens allunya del que estem veient. En general, el to de la línia de el passat és d’un documental expositiu, que té moments expressius quan ens mostra la relació entre Albert i Ulisses. En canvi, el to de la línia de el present és més observacional i alhora contemplatiu i nostàlgic, la qual cosa ens fa sentir més a prop del personatge d’Albert. La contraposició d’aquests dos temps i tipus d’escenes ens fa sentir, d’una banda, una gran emotivitat per la relació tan propera que es construeix entre els dos personatges però, d’altra, ens fa qüestionar-nos sobre l’ètica darrere de la captivitat d’animals i el fet d’utilitzar-los com a objecte d’entreteniment de masses.

Per exemple, podem veure una escena on l’Albert explica com un dia l’Ulisses li va salvar la vida, mentre veiem plànols d’ells dos sota l’aigua i una altra on un narrador en off explica que un cop van mantenir a l’orca durant 3 hores fora de l’aigua. Aquesta contraposició fa qüestionar-nos al llarg de tota la pel·lícula la connotació objectual i inferior que li donem als animals i ens genera sensacions ambivalents. D’una banda, com a espectadors, en veure a l’Albert de gran, després de veure com jugava, abraçava i cuidava Ulisses en la seva joventut, somiem amb el moment del seu retrobament; però, d’altra, somiem que l’Ulisses aconsegueixi per fi la seva llibertat i torni a la mar. No obstant això, tots dos finals no són possibles i la narrativa de la pel·lícula juga a posar aquestes dues possibilitats en tensió.

Ulisses va guanyar el premi del públic del ForadCamp d’enguany i, a més, ha participat al Festival de Cinema Solidari de Guadalajara, el Festival de Curtmetratges K-Lidoscopi i el Festival de Cinema de Lanzarote.

Com posar en escena la rememoració d’un escenari de l’horror que la naturalesa ha anat sepultant amb el temps?

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez

Un bosc a Brandenburg, a 50km a l’est de Berlín, va ser una vegada un camp de treballs forçats nazi. La naturalesa es va encarregar de sepultar tots els vestigis del que va ser alguna vegada un escenari d’horror i tortura. Waldstück, dirigit per Hans Schilling, és un documental performatiu en blanc i negre, en el qual se li proposa a una dona gran que viu a prop de bosc, a tres conservadors de monuments i a dos amants de vestigis de guerra, buscar restes del camp de treballs forçats en aquest lloc. Ens recorda una mica a Shoah, de Claude Lanzmann, un projecte documental en què el director li proposa a víctimes, testimonis i botxins de l’holocaust, visitar espais que alguna vegada van ser escenaris de tortura i extermini de comunitats jueves, i narrar en ells el que recorden d’aquell moment històric.

Al documental de Hans Schilling, el director li proposa als personatges, enmig de la recerca de vestigis, llegir fragments de l’autobiografia de Walter Grundwald, un supervivent del camp de Wulkow. Durant el temps en què va ser presoner, portava un registre de tot el que passava en un diari. Després de sortir d’aquí, es va comprometre amb revelar al món les experiències que va viure a l’Alemanya nazi. En la pel·lícula, els personatges són filmats llegint fragments del diari i després opinen i debaten al respecte parlant directament amb la càmera. Darrere d’ella, el director no és un subjecte passiu; per contra, qüestiona i confronta als que filma i decideix deixar les seves preguntes en el muntatge final, per mostrar la seva postura. És impactant veure com en molts casos tot el que llegeixen els personatges és informació que desconeixen totalment i és a partir d’aquest exercici que es revela que encara hi ha moltes coses d’aquest temps que no se saben. Però també impacta com hi ha opinions oposades pel que fa a si el que es va viure aquí realment va ser un horror irreparable i a la por que alguna cosa així es torni a repetir.

Aquesta pel·lícula es pregunta quines són les conseqüències que la cultura de la preservació de la memòria desaparegui i el posa en escena d’una manera enginyosa, impactant i confrontativa. Berlín és una ciutat que sembla estar reconstruïda sota la necessitat imperativa de no esborrar la memòria de tot el que va succeir allà. Però Waldstück ens fa veure que potser això no és tan necessari i fonamental per tots els seus habitants. Mentre uns personatges afirmen que el deute històric ja hauria d’estar saldat i que horrors com l’holocaust han ocorregut a tot el món, però no se’ls ha prestat tanta atenció, altres es pregunten si la millor manera de no oblidar que això va passar és treure a la llum aquests llocs de tortura que han quedat sepultats amb el temps, o deixar que la naturalesa els oculti i haver de fer un exercici constant d’anar a buscar-los i a reflexionar sobre ells.

Waldstück va ser part de la selecció oficial d’aquesta edició del ForadCamp, a més d’haver guanyat el Achtung Berlin New Berlin Film Award com a Millor Curtmetratge documental i haver participat en festivals com DOK Leipzig i el Minsk International Film Festival, entre d’altres.

Sis mesos amb nits assolejades

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez


Ultaquiagvik és una ciutat situada en el punt més a nord d’Alaska, 555km més enllà del Cercle Polar Àrtic. Només és possible accedir per via aèria. Aquí, durant sis mesos a l’any no és possible veure la lluna i durant sis mesos només es pot veure la llum del sol. Midnight Kids, dirigit per Maxence Vassilyevitch, és un documental d’observació que retrata com viuen els joves inuit l’estiu i fan de la seva ciutat i els seus camps de gel, el seu pati de jocs.

En la pel·lícula veiem com, mentre aquests joves juguen, les glaceres es fonen, vaixells abandonats s’envolten d’escombraries i restes d’animals marins morts s’arrosseguen des del mar cap a la riba. En diverses escenes veiem que la vida i la mort transcorren en un mateix temps i espai sense que res les aturi.

Midnight Kids està narrada a través d’un jove inuit, que explica com des d’un dia que en un joc d’adolescents va beure més de la quantitat que devia d’una beguda energètica, va començar a tenir un problema cardíac que li va generar al seu torn problemes d’ansietat i atacs de pànic. Des de llavors la seva vida és diferent.

Però des de sempre ha somiat com seria viure en un altre lloc. Moltes de les seves preocupacions i angoixes coincideixen amb les que molts joves d’altres parts del món viuen avui dia i es resumeixen en una sola cosa: la incertesa del futur i la pregunta de si marxar o quedar-serà la millor decisió. La seva veu apareix sempre en off, en molts casos mentre recorre la ciutat en una cuatrimoto. Aquests recorreguts són alternats amb plans del paisatge i dels seus amics gaudint aquest estiu polar amb una llum que s’apagarà només a la fi de l’estació.

Aquest documental va participar en el Ji.Hlava International Documentary Film Festival i va ser part de la secció oficial d’aquesta edició del ForadCamp.

La Ramada, un paisatge en destrucció

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez 

 

La Ramada és un dels ports més importants de Perú. És recordat per molts com un paisatge ple de fauna i flora. No obstant això, des que les platges de nord d’aquest país van començar a desaparèixer a causa de l’erosió costanera, el canvi climàtic i el creixement urbà, aquest port va deixar de ser com moltes persones ho recorden. La Ramada, dirigida per Fernando Torres Salvador, és un documental de personatge sobre la desaparició d’aquest paisatge, que neix d’una motivació personal i alhora d’una preocupació sociopolítica del director.

Jaime Estrada, el protagonista de la pel·lícula, és l’últim pescador artesanal i guardià del port. Avui dia segueix utilitzant tècniques tradicionals de pesca de fa dos mil anys i dedica els seus dies a protegir el que encara queda de la platja. A través de la història de vida d’aquest pescador, el director parla de l’impacte que té la destrucció de les platges a la pesca, l’economia de país i la qualitat de vida dels habitants d’aquestes costes.

La desaparició de platges a Perú és un tema preocupant. N’hi ha moltes que ja no existeixen i d’altres que estan a punt de desaparèixer i l’Estat ignora completament aquesta realitat. Fernando Torres Salvador tracta aquest tema a partir d’un enfocament emotiu i poètic, en el qual el pescador i la natura són els protagonistes i narradors de la història. La pel·lícula alterna moments d’observació amb posades en escena del personatge parlant a càmera. El seu discurs és un testimoni que, en un to poètic, reivindica la cura i la preservació d’aquestes zones. Una cosa particular d’aquest curtmetratge és que mentre que la càmera es concentra en donar-li protagonisme al personatge, el so fa de la poca natura que queda, la protagonista de la història, posant-la en diverses escenes en primer pla sonor.

Abans d’arribar al ForadCamp, aquesta pel·lícula ha tingut un recorregut per 26 festivals i ha estat premiada en Cinéma sous els étoiles, el Festival Internacional de Cinema d’Amèrica i el Kolkata Shorts International Film Festival, entre d’altres.

Un dia, a les costes marroquines, fa cent cinquanta anys, milers d’antílops junts es van llançar al mar

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez 

«Un dia, a les costes marroquines, fa cent cinquanta anys, milers d’antílops junts es van llançar al mar». El curtmetratge Les antilopes està inspirat en aquesta cita de Marguerite Duras, amb la qual ella introdueix un text sobre la mort i el suïcidi, publicat a Les Cahiers du Cinema. Segons Maxime Martinot, el director, la bellesa d’aquest text, que va ser el que ho va inspirar a fer la seva pel·lícula, està en la incertesa de saber si es tracta d’una llegenda o d’alguna cosa que va passar en realitat. El que ell fa és utilitzar-la com una metàfora per parlar d’esdeveniments polítics contemporanis i acaba realitzant una peça audiovisual, en part assagística i en part poètica.

La pel·lícula comença amb una imatge d’un dron al cel i després, una veu en off sobre imatges d’antílops travessant diferents paisatges, ens explica la faula de Marguerite Duras. Segons la narració, els antílops, tot i no ser animals que tendeixen a emigrar, van migrar des de diferents territoris de l’Àfrica a un punt de trobada en concret, un dia específic, per dur a terme un suïcidi col·lectiu. Maxime Martinot construeix una narració en la qual qüestiona la decisió d’aquest acord mortal que, segons la pel·lícula, obeeix a una decisió individual compartida i no a un acord col·lectiu, com si tots haguessin arribat allà pel seu compte, sense saber que els altres pretenien el mateix. 

El director utilitza aquesta faula com una metàfora per parlar de l’actualitat política mundial i, progressivament, utilitzant música incidental i amb un muntatge que passa de ser contemplatiu a frenètic, combina els plànols dels antílops amb imatges d’arxiu de protestes a Xile i de Black Lives Matter. Per a ell, el que compartim les persones amb els antílops, és una necessitat d’avançar en societat, per raons de vida o mort i de lluitar col·lectivament per una mateixa causa. A la fi de la pel·lícula ens vam quedar amb la sensació de no saber si realment fa cent cinquanta anys milers d’antílops es van llançar a la mar, però el que sabem que sí que és veritat, és que hem de preguntar-nos què podem fer de manera individual i col·lectiva, per lluitar com a societat. Les antilopes ha participat en el DocLisboa International Film Festival, Hot Docs i FIDMarseille i ara tindrà el seu pas pel ForadCamp.

Oman, un desert que es confon amb Mart

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez 

Oman és un desert que és tan semblant a Mart, que és utilitzat com una locació per entrenar astronautes. Enmig de les dunes hi ha un fort blanc, al voltant del qual persones amb vestits d’astronautes investiguen les roques i el terreny. Mars, Oman és un documental que construeix una analogia audiovisual entre el planeta i el desert.

Els personatges més destacats són unes astronautes que aterren a Oman, un jove, el seu avi beduí i dues noies d’un institut. La pel·lícula uneix a aquestes persones tan diverses a partir de reflexions sobre el seu lloc en l’univers i comparacions que fan entre la vida al desert i en Mart, entre els grans de sorra i les estrelles. Per mitjà d’aquestes converses es plantegen preguntes pel nomadisme, l’exploració, la colonització, la llibertat i, sobretot, es pregunten si té sentit o no «conquistar un altre planeta» en recerca de vida i recursos com l’aigua.

El curt comença amb una mena de carta d’intenció de la directora, Vanessa del Campo, en la qual ella ens parla de la seva fascinació per l’espai. A mesura que avança la pel·lícula, tots els personatges, encara que siguin de diferents cultures, semblen compartir amb ella aquesta mateixa fascinació. No obstant això, el que coneixen i perceben de l’espai és molt diferent en cada cas i està marcat pel llenguatge, les experiències i el lloc d’enunciació de cada persona.

Per exemple, en una de les escenes més memorables de la pel·lícula, de nit, enmig del desert, el beduí li diu al seu nét que li ensenyarà l’estrella Alizef. Li explica que quan desapareix, les camelles pareixen les cries, les alleten i tornen al desert. Després assenyala una altra estrella; li diu que es tracta de Mart i li explica el moviment d’altres cossos celestes que l’envolten i la seva influència en la Terra. El nét li respon que a l’escola també li han ensenyat els noms dels cossos que estan en el cel i enumera els nou planetes del sistema solar. L’avi li diu que aquests noms no els coneix, que ell no va anar a l’escola i que els beduïns els tenen altres noms. D’aquesta manera, a partir del muntatge de diverses converses que s’entrellacen amb reflexions en primera persona de la directora, ella aconsegueix connectar diferents mons, llenguatges i formes de respondre a les preguntes que ella mateixa es fa sobre la immensitat de l’espai i la seva relació amb el nostre planeta.

Mars, Oman ha estat seleccionada a Visions du Réel, i premiada amb l’IDFA Talent Award, el Sangalli Award al Festival dei Popoli i el premi a millor documental internacional a MiradasDoc. Actualment està disponible en diverses plataformes de vídeo a la carta i el poden veure també com a part de la selecció oficial del ForadCamp.

400 paires de bottes, testimoni observacional de migrants africans

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez 

 
400 paires de bottes és un documental d’observació sobre com migrants africans creuen la frontera francoitaliana dels Alts Alps. Per ajudar-los a protegir-se del fred, una organització italiana compra botes d’hivern a Torí que van i vénen entre Itàlia i França, per tornar a ser utilitzades per centenars de migrants. La pel·lícula gira entorn de com un parell de sabates de Decathlon, una marca d’articles esportius de mercat massiu, esdevenen una eina migratòria.

Durant els últims anys milers de migrants van arribar d’Itàlia a França. Aquest curt mostra el recorregut cíclic que fan aquestes sabates d’un costat a un altre de la frontera i explica com, al voltant d’aquest moviment, es construeixen lligams entre les persones que habiten aquest territori i els immigrants.

En la pel·lícula veiem el viatge des que arriben les botes a l’organització i tot el procés de lliurar-les a les persones que les necessiten. Addicionalment al lliurament de les sabates, ens mostren com l’organització que s’encarrega d’això també ofereix menjar, cafè i altres cures als migrants, com rentar-los els peus amb aigua calenta o explicar-los la ruta que han de prendre. La càmera alterna plans generals fixos llargs amb plans seqüència més tancats fets a l’espatlla. Normalment els plans fixos són utilitzats per mostrar el paisatge nevat i fred i els plans seqüència per seguir als personatges en el seu recorregut.

Es tracta d’una càmera que observa aquesta realitat des de fora, però per moments intenta submergir-nos en l’experiència d’aquest viatge, posant-nos a mirar des del punt de vista dels migrants. Aquest curtmetratge va ser dirigit per Raphaël Botiveau i Hélène Baillot i va tenir la seva estrena mundial a l’IDFA l’any passat. Ara el podeu veure en aquesta desena edició del ForadCamp.

Retrat de Shadegan, un estany en perill

Autora: Daniela Reyes Gutiérrez 

 

Shadegan és un estany que queda a Khuzestan, Iran. Tant aquest cos d’aigua com els aiguamolls que l’envolten, s’alimenten del riu Karun i estan connectats amb el Golf Pèrsic. Aquest curtmetratge ens submergeix en la quotidianitat d’un nen pescador de 12 anys d’edat, que veu l’estany com una segona llar i com el suport principal de la seva família. Sense necessitat de diàlegs i, en gran part, a través de plans seqüència del pescador en la seva bassa i de recorreguts per l’aigua sobre la qual suren aus i peixos morts, la pel·lícula ens fa entendre que el futur de l’estany està en risc i, per tant, també el del protagonista, la seva família i el de totes les famílies que depenen d’aquest.

Durant els 15 minuts que dura el curtmetratge, la càmera mai surt de l’estany i segueix durant tot el temps el trajecte del pescador. És una càmera gairebé sempre a l’espatlla que sol bressolar-se amb el moviment de l’aigua. El muntatge va el ritme de l’aigua i del moviment de la bassa, emprant pocs talls. Els plans són llargs i estan muntats de manera que cada escena està composta, la majoria de les vegades, per un de sol. Això genera la sensació que estem vivint la quotidianitat a l’estany gairebé en temps real.

D’altra banda, el curtmetratge està estructurat narrativament de manera que tot comença des que surt el sol i acaba quan s’hi pon. En el primer pla entrem a l’estany amb el nen i en l’últim ens n’anem. D’aquesta manera la càmera, l’estructura i el muntatge, ens situen en el punt de vista de el personatge principal. El so, per la seva banda, ajuda a construir tota l’atmosfera de la natura al voltant de l’estany, però també ens deixa sentir sons fora de quadre, com trets, que funcionen com indicis que aquest lloc està en perill.

Shadegan és un documental d’observació en el qual, a través d’aquestes característiques de la càmera, el muntatge i el so, es retrata el punt de vista del personatge principal d’una manera propera i íntima que ens submergeix en la realitat d’un cos d’aigua que, a causa d’activitats humanes irresponsables o inconscients, probablement relacionades amb processos industrials, pot arribar a deixar d’existir. Va ser dirigit, produït i fotografiat per Ako Salemi i va guanyar el premi Kids & Docs Award de l’IDFA 2020. També ha participat en festivals com Visions du réel, Doc NYC i el New Orleans Film Festival. No us el podeu perdre en aquesta edició de Foradcamp.